Teil 2: Unterliegen gute Ideen gewissen Rahmenbedingungen?

Was sind die Anforderungen an kreatives Vordenken? Gibt es etwas, das notwendig ist oder aber schädlich? Wir haben mit einer Fülle an erfahrenen Stimmen gesprochen, um ihre jeweilige Sichtweise darüber zu erfassen, was für gute Ideen nötig ist. Ist die Vorstellung, sich mit inspirierenden Designobjekten zu umgeben, überflüssig? Oder spielen die zur Verfügung stehenden Werkzeuge eine entscheidendere Rolle als erwartet?

Es scheint eine allgemeine Faustregel zu sein, dass Kreativschaffende besser zusammen mit anderen arbeiten, weil sie von der Unterstützung, Ablenkung, Kameradschaft und Motivation einer solchen Gemeinschaft profitieren. Für das in New York ansässige Designstudio Porto Rocha, das von den Partnern Leo Porto und Felipe Rocha geleitet wird, ist ihre gesamte Arbeit letztlich das Ergebnis eines kollaborativen Prozesses: „Wir glauben an die Förderung eines offenen und kritischen Dialogs zwischen uns und unserem Team, indem wir verschiedene Perspektiven an den Tisch bringen, mit Ideen jonglieren und sie aufeinanderprallen lassen. Das führt uns schneller zu weniger erwarteten Lösungen.“

Es überrascht nicht, dass es auf der anderen Seite des großen Teichs nicht viel anders ist, nämlich beim Klimaverein Adapt in London. Ähnlich wie Porto Rocha wird dieser von den Partnern Richard Ashton und Josie Tucker geleitet. „Bei Adapt arbeiten wir fast immer zusammen“, erklären sie. „Wenn Dinge manchmal einzeln gemacht werden, nutzen wir uns gegenseitig für ständiges Feedback.“ Der Erfolg dieser Arbeitsbeziehung hängt davon ab, wie gut die Kollegen miteinander arbeiten und aufeinander eingehen können, um schneller voranzukommen.

Ein weiteres Design-Power-Paar sind Naomi Kolsteren und Vincent Vrints, die gemeinsam das Antwerpener Designstudio Vrints-Kolsteren leiten. Sie erklären, dass sie zwar immer zusammenarbeiten, es aber nicht so ist, „dass wir ständig gleichzeitig an jedem Projekt arbeiten“, erzählt Kolsteren. „Aber wir tauschen uns oft aus und sind für ständiges Feed­back aufeinander angewiesen.“ Nachdem sie aufgrund von COVID-19 den Großteil des Jahres 2020 ohne Praktikanten auskommen mussten, stellt Naomi Kolsteren fest, dass sie es vermissen, einen Praktikanten in ihrem Prozess zu haben, weil sie dadurch immer eine neue Perspektive gewinnen. „Es ist interessant, alle paar Monate einen frischen Wind durch das Studio wehen zu lassen… das gibt uns neue Einblicke“, erklärt sie.

Bei der Zusammenarbeit geht es nicht nur um bessere Ideen und Ergebnisse, sondern auch um die tolle Unterstützung, die man erhält, und auch um die Geschwindigkeit, mit der man in der Lage ist, Probleme zu überwinden“, sagt Rachel Long-Smith von Narrate. Sie erklärt, dass immer jemand da ist, der einem hilft, wenn man einmal nicht weiterkommt. „Selbst wenn man mit einem Vorschlag nicht einverstanden ist, hilft allein das Diskutieren des Problems oft dabei, die Dinge klarer zu sehen und zu einer eigenen Schlussfolgerung zu kommen“, erläutert sie. Zusammenarbeit in diesem Sinne heißt Problemlösung und unterstützt die Entwicklung guter Ideen. „Durch die Präsentation des Konzepts für andere, sei es verbal oder visuell, stellt man es gleichzeitig auf den Prüfstand“, erklärt Marion Bisserier von der Londoner Designagentur Two Times Elliott. Bisserier glaubt, dass gute Ideen durch eine kollaborative Linse klarer und nuancierter werden können. Hinterfragen ist eine gesunde Übung im Design, denn so werden „gute Ideen zu großartigen Ideen“. Durch die Auswirkungen von COVID-19 ist die kreative Arbeit aufgrund der Forderung nach Abstand und Telearbeit allerdings deutlich schwieriger geworden. „Man braucht Zeit, sich darauf einzustellen, bei Fragen jemanden anzurufen, anstatt von Angesicht zu Angesicht mit dem anderen zu sprechen“, findet Marion Bisserier, „aber das ist es wirklich wert und macht auf lange Sicht einen Unterschied in den Projekten.“

Vrints-Kolsteren holen Artefakte aus der Außenwelt ins Haus und stellen fest, dass gute Ideen zwangsläufig aus „schönen Dingen“ hervorgehen, und dass die fraglichen Objekte nicht „besonders“ sein müssen – ganz im Gegenteil. „Sie können ganz normal oder gewöhnlich sein.“ Naomi Kolsteren erinnert sich: „Im Laufe der Jahre haben wir eine Menge Dinge gesammelt, die wir interessant finden“, was darauf hindeutet, dass ihre Kollektion kein kuratiertes Werk bekannter Designer ist, sondern eine Wertschätzung des Unauffälligen und Unscheinbaren. Interessanterweise sind viele ihrer gesammelten Objekte das Ergebnis einer Zusammenarbeit, da sie oft mit anderen Künstlern zusammenarbeiten und einige der daraus resultierenden Stücke behalten. „Diese Künstler sind meist Freunde, die am Anfang ihrer Karriere stehen. Ihre Kunst ist in unserem Leben wichtig geworden und wächst gewissermaßen mit uns“, erklärt Naomi Kolsteren.

Besonders für Designer scheint es charakteristisch zu sein, dass sie nicht nur Sammler, sondern auch Kuratoren sind. Sie verfolgen oft einen „slow-fashion“-Ansatz, indem sie Objekte sammeln, die eine Geschichte erzählen oder Seltenheit aufweisen. Vielleicht liegt es an der Anforderung an die Denkweise, die sich aus der Designausbildung tief in das Unterbewusstsein eingegraben hat, vielleicht ist es aber auch das Gefühl, sich so etwas zu eigen gemacht zu haben. Oder es liegt an der Verfeinerung, an der Konzeption und am Denkvorgang, die aus der eigenen Designpraxis in die reale Welt einfließen. Abgesehen davon gibt es durchaus Kontraste und Extreme.

Im Gegensatz zu den selbsternannten „Hamstern“ von Adapt erinnert sich Rachel Long-Smith: „Obwohl ich es liebe, mich mit Dingen zu umgeben, die ich als gutes Design einstufen würde, habe ich eigentlich nicht das Gefühl, dass diese Dinge mich eher dazu bringen, kreativ zu sein.“. Sie findet Inspiration eher im Sinne von Ceddias Denkweise. „Ich glaube, dass Kreativität aus einer tieferen Inspiration kommt, die für mich durch das Aufnehmen von allem um mich herum entsteht“, was auch ihre eigenen Erfahrungen und frühere Forschungen umfasst. In diesem Sinne sind auch schlechtes Design und schlechte Ideen von Bedeutung. „Ich glaube tatsächlich, dass es für die Kreativität wichtiger ist, sich schlechten Designs bewusst zu sein, als sich mit gutem Design zu umgeben“, erklärt Rachel Long-Smith und fügt hinzu: „Aus meiner eigenen Erfahrung heraus inspiriert mich die Frustration über schlechtes Design in der Regel dazu, kreativer zu sein und es zu verbessern.“

Porto Rocha stellt in Frage, wie groß unser Vorteil all der Technologie ist, die uns zur Verfügung steht. „Wie bei den meisten Grafikdesignern arbeiten wir fast ausschließlich digital,“ erzählen sie und erklären, dass Technologie natürlich ein grundlegender Aspekt ihres Alltags ist. „Technologie hilft uns, unsere Gedanken zu sortieren, zu fokussieren, zu recherchieren und umzusetzen,“ fügen sie hinzu, was zu einer Arbeit führt, die „schneller, präziser, vernetzter und effizienter ist“. Nichtsdestotrotz stellen sie aber die Frage: „Sind wir dadurch kreativer?“ Das ist schwierig zu messen, erklären Porto Rocha. „Einerseits erlauben uns neue Werkzeuge und Technologien, Dinge zu schaffen, die in der Vergan­genheit nicht möglich waren. Andererseits ist ein Werkzeug einfach nur ein Werkzeug.“ Es liegt an uns, kreativ damit umzugehen“, erklären sie und fügen hinzu: „Interessanterweise ist Kreativität eine der Eigenschaften, die uns als einzigartig menschlich definieren“, und damit der entscheidende Unterschied zwischen menschlicher und künstlicher Intelligenz. „Jedes Werkzeug, das eine Erweiterung der Hand oder des Geistes ist und die Produktivität fördert, ist für einen Designer von Wert“, fasst Ceddia zusammen und unterstützt damit diese Einschätzung zum Anteil der Technologie an der Kreativität.

Gibt es in einer Welt der unendlichen Informationen, einer Welt der Informationstechnolo­gie, zu viele gegenseitige Beziehungen und zu große Gestaltungsspielräume? Ist es nicht verwunderlich, dass uns bei der ständigen Flut von Inhalten die Ideen ausgehen? Sind „gute Ideen“ eine seltenere Spezies als die üblichen und hausgemachten „schlechten Ideen“? Für viele ist kreatives Schaffen einfach eine Problemlösung, wobei „gute Ideen“ Lösungen für Herausforderungen sind. Wenn es die Zeit erlaubt, sich vom aktuellen Thema abzukoppeln und eine Pause einzulegen, „schafft es unser Unterbewusstsein, Dinge auf eine Weise zu lösen, die uns oft überrascht“, erklären Adapt.

Ebenso ist der Begriff der kreativen Blockade typischerweise mit dem Designbereich verknüpft und ist in ähnlicher Weise kontraproduktiv für die Ideenfindung. Adapt erzählen uns dazu: „Wir stellen immer wieder fest, dass wir genau dann weitermachen müssen, wenn wir an dem Punkt sind, an dem wir eine Idee aufgeben wollen, weil wir sie nicht richtig hinbekommen“, was von einem Sinn für Beharrlichkeit zeugt, dessen Ergebnis von Natur aus neue Ideen hervorbringt. „Wir geben nie eine Idee auf, auch wenn Pausen natürlich nötig sind. Manchmal braucht es einfach mehr Arbeit, als wir ursprünglich geplant haben“, fügen sie hinzu.

Für andere liegt die Lösung auf kreative Probleme wiederum in der Zusammenarbeit. „Es fällt mir schwer, ein Problem zu knacken oder überhaupt genau zu wissen, was das Problem ist, wenn sich alles so sehr in meinem eigenen Kopf abspielt und nicht vor meinen Augen“, erklärt Marion Bisserier. Dies sei ein wertvoller Akt, weil Zusammenarbeit das Herzstück von Two Times Elliott ist, findet sie. „Wir haben wirklich diese Mentalität, dass die Projekte uns allen gehören, anstatt sie nur einem Designer allein zuzuschreiben“, erklärt sie. „Ich denke, dieses Gefühl der Co-Kreativität hilft, den Druck beiseite zu schieben und ermutigt mich, eine Lösung auszuspucken, auch wenn es vielleicht nicht gleich die richtige ist.“ In diesem Sinne geht es bei der Lösung von Problemen darum, die Sache sauber zu sezieren, wie Bisserier wortgewandt beschreibt: „Die Dinge gemeinsam flach auf den Tisch zu legen, auch wenn das Produkt zunächst drei Augen und nur ein Bein hat, ist immer der richtige Weg, finde ich.“

Porto Rocha fassen zusammen, worauf diese ganze Diskussion hinausläuft: „Fast jedes kreative Problem kann auf verschiedene Arten gelöst werden“. Die beiden glauben nicht an die einzige „perfekte und endgültige Lösung“. Analog dazu bemerken sie: „Deshalb finden wir es super hilfreich, zwei bis drei gegensätzliche Designrichtungen mit unterschiedlichen Ansätzen zu präsentieren, weil die Diskussion dann weg vom Geschmack und hin zu einer Lösung geführt wird.“

Mit Blick auf das quasi abzuschreibende Jahr 2020 fasst Naomi Kolsteren lapidar zusammen, dass „es im Moment definitiv keine einfache Zeit für kreative Berufe ist“, und fügt hinzu: „Es ist viel los und das macht es nicht einfacher.“ Da viele Kreative, Vrints-Kolsteren eingeschlossen, Inspiration im Reisen finden, hat die COVID-19-Pandemie nicht nur das Leben ganz allgemein lahmgelegt, sondern auch das Knüpfen von Kontakten und Sammeln von Lebenserfahrungen, die normalerweise alle zur Bildung, Entwicklung und zum Wachstum der eigenen kreativen Praxis beitragen. „Es hat unsere Denkweise aufgefrischt und neue Einsichten gebracht“, erzählt Kolsteren. „Andere Kulturen gehen ganz anders an Typografie und Farbe heran.“ Wenn man in einen anderen Kontext geworfen wird, fängt man an, die Kleinigkeiten des täglichen Lebens zu bemerken, die man entweder vorher nicht zu schätzen wusste oder mit neuen Augen sieht, erklärt sie. Bis die Dinge am Ende wieder normal werden, wird dies die Realität der Design-Branche bleiben, und sie wird zu weiteren Problemen und kreativen Blockaden führen.

Aber wenn für Menschen überhaupt etwas gilt, dann dass sie belastbar und einfallsreich sind. Bestehende Grenzen sind oft der Schlüssel zum Fortschritt. Die Einschränkungen und die Umsicht, mit denen wir jetzt konfrontiert sind – seien sie gesellschaftlich oder kreativ – werden zu neuen Arbeiten führen, welche die Design-Branche auf erfrischende und unerwartete Weise voranbringen werden.