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Ein Gespräch über Kreativität, Interdisziplinarität und Inspiration

07 Sep 2021 —
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Unter der Leitung des Designerduos Golnar Roshan und Ruben de la Rive Box ist Design & Practice ein in Amsterdam ansässiges Designstudio, das sich auf Mar-kenmanagement, Grafikdesign und künstlerische Leitung für Kunden aus dem Kultur-, Kreativ- und Einrichtungssektor spezialisiert hat. Wir haben uns mit ihnen über ihren kreativen Prozess unterhalten, der durch ihre künstlerische Pra-xis unter dem Namen Rive Roshan inspiriert ist, sowie über ihre Sicht auf die Krea-tivbranche und ihre Arbeit an der neuen visuellen Identität von Olin.

Unter der Leitung des Designerduos Golnar Roshan und Ruben de la Rive Box ist Design & Practice ein in Amsterdam ansässiges Designstudio, das sich auf Mar-kenmanagement, Grafikdesign und künstlerische Leitung für Kunden aus dem Kultur-, Kreativ- und Einrichtungssektor spezialisiert hat. Wir haben uns mit ihnen über ihren kreativen Prozess unterhalten, der durch ihre künstlerische Pra-xis unter dem Namen Rive Roshan inspiriert ist, sowie über ihre Sicht auf die Krea-tivbranche und ihre Arbeit an der neuen visuellen Identität von Olin.

Können Sie uns ein wenig mehr über Ihre Agentur erzählen? 

Golnar Roshan: Man könnte uns als ein Studio bezeichnen, das sich auf Design für ein kreatives Publikum spezialisiert hat, denn ein Großteil unserer Arbeit richtet sich an Kreativschaffende selbst.

Ruben de la Rive Box: Wir beide kommen aus ähnlichen Verhältnissen: Ich habe Interaktionsgestaltung studiert und Golnar visuelle Kommunikation. Wir haben immer in Unternehmen gearbeitet, die Teil der kreativen Welt waren. Obwohl die Arbeit für die Kreativbranche noch eine Art Nische ist, wird sie immer mehr zu einem starken Teil unserer kollektiven Kultur. Einige der größten und einflussreichsten Unternehmen der Welt haben Kreativität als ihren zentralen Werttreiber. Kreative haben sich von einem relativ unbedeutenden Teil der Wirtschaft zu einem sehr einflussreichen Motor der Kultur entwickelt.

 

Wie würden Sie Ihre Arbeitsweise definieren?

RR: In gewisser Weise steckt unser Ehrgeiz schon im Namen. Wir sind sehr darauf fokussiert, von einer Designperspektive auszugehen und dann immer auf die Qualität unserer Praxis zu achten.

GR: Wir entwerfen auch aus der Perspektive der Erfahrung und Immersion. Wir wollen, dass die Menschen sich mit einer Marke identifizieren können, die ein Gefühl, eine echte Persönlichkeit hat. Als wir an der Identität von Le Drugstore in Paris arbeiteten, sind wir monatelang komplett in die DNA dieses Ortes und seines historischen Kontextes eingetaucht, damit die Markenidentität die wahre „Identität“ des Ortes widerspiegeln und eine natürliche Erweiterung der Innenräume, des Essens und der Umgebung sein würde.

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Beeinflusst die Arbeit für kreative Menschen Ihre Arbeit?

RR: Was uns an der Zusammenarbeit mit anderen Kreativen wirklich Spaß macht, ist, dass sie einerseits sehr kritisch und präzise, aber gleichzeitig auch offen für herausfordernde Ideen sind. Unsere Arbeit für Tom Dixon ist ein gutes Beispiel dafür. Bei der Gestaltung der Materialbox für ihn bestand die eigentliche Herausforderung darin, sie spannend zu gestalten und die Toms Seele darin widerzuspiegeln. Also haben wir ihn so entworfen, dass er sich wie eine Mischung aus einem Louis-Vuitton-Reisekoffer aus der Mitte des Jahrhunderts und einem robusten, öligen Werkzeugkasten aus einer Fahrradwerkstatt anfühlt. Weil wir diesen Kontrast in Tom Dixon sahen, waren wir der Meinung, dass ein Verkaufswerkzeug diesen Charakter ebenfalls widerspiegeln sollte.

 

„(...) Ich glaube, wir befinden uns jetzt
in einer kreativen Wirtschaft.“

 

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Glauben Sie, dass heute von allen Marken Kreativität erwartet wird?

RR: Ich denke, es ist eine Bewegung. Wir sind von der industriellen Wirtschaft der 70er- und 80er-Jahre zur Dienstleistungswirtschaft übergegangen, dann von der Dienstleistungswirtschaft in den 90er Jahren zur Informationswirtschaft. Und jetzt, wo wir all diese Informationen haben, müssen wir herausfinden, was wir damit machen können, wie wir sie verständlich und attraktiv für die Menschen machen können. Das erfordert Kreativität, also ja, ich glaube, wir befinden uns jetzt in einer kreativen Wirtschaft.

 

Ein weiterer Trend, der im Zentrum Ihrer Arbeit steht, ist Materialität und Taktilität. Können Sie uns dazu mehr erzählen?

 GR: Das ist ein wirklich wichtiger Teil unserer Arbeit, denn ich glaube, wir sind ziemlich intuitive Menschen, und wir experimentieren gerne mit Materialien. Im Kern glauben wir, dass, wenn man jemandem erlaubt, etwas vollständig zu erleben und sich wirklich damit zu verbinden, er sich daran erinnern wird und es ein Teil seines Lebens wird. Ich denke, Taktilität spielt dabei eine sehr große Rolle. Es gibt sehr viele Nerven in unseren Fingerspitzen, die direkt mit unserem Gehirn verbunden sind. Wir interessieren uns natürlich für Materialien und die Verbindungen, die sie schaffen, wenn man etwas öffnet, und für die Art, wie sie sich anfühlen oder wie sie klingen. Wir glauben wirklich, dass wir etwas Bedeutung verleihen können, indem wir all diese Punkte zusammenzubringen und diese Verbindungen herstellen.

 

 

„Und ich denke, darum geht es letztlich bei der Kreativität:
Den Gedanken freien Lauf zu lassen
und sich die Freiheit zu gönnen (...).“

Wie finden Sie Inspiration und kanalisieren sie in Ihrer Arbeit?

RR: Wir betreiben zwei getrennte Studios. Design & Practice ist eigentlich eine Agentur, die sich auf Branding, also Markenmanagement, konzentriert, aber wir haben mit Rive Roshan auch ein künstlerisches Studio. Rive Roshan ist unser Spielplatz. Wir arbeiten viel mit Glas, Metall, Stoff und Holz, und in all diese Materialien versuchen wir, Farbe einzubringen und das, was wir als visuelles Wunder beschreiben. Die Arbeit, die wir dort leisten, beeinflusst direkt oder indirekt die Art und Weise, wie Design & Practice am Aufbau von Marken arbeitet.

GR: Rive Roshan entstand aus dem Wunsch heraus, unsere eigene freie Arbeit zu machen, ohne einen konkreten Kundenauftrag, und einfach zu erforschen und zu experimentieren, ohne irgendwelche Einschränkungen. „Und ich denke, darum geht es letztlich bei der Kreativität: Den Gedanken freien Lauf zu lassen und sich die Freiheit zu gönnen, etwas ohne Druck oder Beurteilung von außen auszuprobieren.“ Letztendlich können die erfolgreichen Teile dieses Experimentierens in unser Branding-Studio einfließen.

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Sie haben an der neuen Olin-Identität gearbeitet. Was war die Herausforderung bei diesem Projekt?

RR: Unser Ausgangspunkt war, dass heute fast jede Entscheidung im Verlauf eines großen Druckprojekts von einem Designer getroffen oder zumindest befürwortet wird. Wir wollten uns also wirklich auf diese Zielgruppe konzentrieren und sicherstellen, dass sie den Wunsch verspüren, mit dem Papier zu arbeiten. Wir richten uns an ein sehr kritisches Publikum. Wir hatten das Gefühl, dass wir einerseits etwas machen mussten, das eine Wirkung hat, mit Präsenz und Ausdruck. Gleichzeitig mussten wir es aber sehr einfach und offen lassen, damit die Designer bei ihrer Beschäftigung mit Olin als Erstes ihre eigenen Ideen auf dieses Papier bringen konnten.

GR: Von da an haben wir mit der Idee einer Leinwand gespielt. Papier ist eine Leinwand, und die neue Identität wurde auch eine. Wir nahmen das „O“ von Olin und verwandelten es in einen Kreis. Was auch immer innerhalb dieses Kreises geschieht, schafft diese globale kreative Plattform, für jeden, der damit in Kontakt kommt. So wurde der Kreis zum Rahmen für alle Werkzeuge. Das gilt auch für die Kunst, die auf das Papier gebracht wird: Sie kann alles sein, von Typografie bis Fotografie und alles dazwischen.

 

Können wir die neue Olin-Identität als minimalistisch beschreiben?

RR: Wir sprechen oft über den warmen Minimalismus, weil wir das Gefühl haben, dass Minimalismus eine sinnvolle Sache ist, die unserer Kultur widerfahren ist, sie hat eine Menge Freiheit geschaffen. Allerdings haben wir manchmal das Gefühl, dass es zu etwas übermäßig Rationalem führt und zu viel wegnehmen kann – bis zu dem Punkt, an dem man eigentlich überhaupt kein Empfinden mehr dafür hat. Ich denke, was wir als warmen Minimalismus bezeichnen, ist, dass wir alles Unnütze entfernen, zugleich aber versuchen, die emotionale Verbindung zu erhalten.

Möchten Sie uns ein wenig mehr über die Olin-Werkzeuge erzählen?

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GR: Ja, gerne. Äußerlich ist die Verpackung sehr minimalistisch und glatt. Es ist eine Schwarz-Weiß-Identität ohne Farbe. Wir wollten, dass es um das Papier geht, damit man sich auf die Haptik konzentrieren kann. Aber wenn man dann die Packung öffnet, explodiert sie geradezu vor Ideen und Materialien. Der gesamte Inhalt ist ein Gemeinschaftswerk von Druckern, von unserem künstlerischen Studio, sogar aus der physischen Herstellung von Skulpturen, die fotografiert und dann mit speziellen Verfahren in Drucke umgewandelt wurden. Mit dieser Idee einer Leinwand wollten wir auch, dass sich der Inhalt darin verändern kann.

 

Hatten Sie bei Ihrer Arbeit einen bestimmten künstlerischen Einfluss im Sinn?

RR: Wir haben viel aus einem Buch gelernt, das wir für Michael Adams gemacht hatten, einem Künstler auf den Seychellen, der sehr farbenfrohe Gemälde malt. Er ist ein sehr charismatischer Mann, und er stellt Siebdrucke seiner Bilder in limitierter Auflage her. Er ist es also gewohnt, mit hochspezialisierten Kunstsiebdruckern zusammenzuarbeiten, die seine Gemälde in Drucke umsetzen. Als wir dieses Buch machen wollten, beurteilte er das, was wir taten, als eine Reproduktion seiner Arbeit. Die Art und Weise, wie er die Bedeutung von Weiß erklärte, war eine der beeindruckendsten Lehren zur Bedeutung von Farbe meines Lebens. Sein kritisches Auge für Details behielten wir definitiv während unseres gesamten Projekts im Auge.

 

Mehr Informationen zum Olin-Projekt finden Sie auf Instagram (@antalis_deutschland) oder auf unserer neuen Website www.olinpaper.com.